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MonkeyBird expresividad urbana, entre la realidad y el mito


Los códigos creativos que ejecutan buena parte de los artistas urbanos suelen fundamentarse en valores estéticos y visuales, a los que en ocasiones les añaden una lectura cuya motivaciones son afectivas o de indole social.


Razones estas ultimas por las que la obra adquiere un compromiso con su entorno y modo de ejecución que suscitan en el espectador un vinculo que va mas allá de lo puramente lúdico.


Provocando que se genere una  reflexión o incluso un debate alrededor de una cuestión concreta expresada en el contexto de la obra, y de los diferentes motivos a través de los que se pretenden representar una idea o una situación.

Que puede afectar mas o menos a su autor y por lo tanto mide su grado de implicación con el proceso tanto creativo como teorico de la obra. Sin embargo cada vez existen mas propuestas urbanas que exploran enriquecer su disurso expresivo.



VIEJOS SIMBOLOS PARA NUEVAS LECTURAS

 
Añadiendo elementos simbólicos inspirados por otras culturas o corrientes artisticas, o directamente extrapolan trasladando a un contexto actual practicas artísticas de otras épocas con el objetivo de hacer una interpretación de esa misma realidad.


Un caso paradigmatico de lo expuesto anteriormente son las monumentales obras del dúo con sede la ciudad francesa de Burdeos que lleva por nombre, MonkeyBird cuyas obras están caracterizadas por su ornamentación realizadas en blanco y negro y cargadas de simbolismos.


Recrean a gran escala pasajes donde se observa el culto totemico y a la mitología y donde se combinan con los elegantes y detallados trazos del Art Noveau. Para crear un eje narrativo que nos cuenta una fabula donde el activísimo y las preocupaciones medio-ambientales.


LA IMPORTANCIA DE LOS DETALLES DE MONKEYBIRD
 
Ocupan extenuando la totalidad de un espacio narrativo que previamente se han cubierto con plantillas de stencil, cuyas secciones transmiten en un sentido epico y por momentos intimidatorios por su grandilocuencia. 

Un mensaje donde predominan los valores relacionados con su entorno naturalA partir de los que crea una tensión cuyo relato se origina en los elementos y significados de su apelativo artístico.

Si monkey (mono) representa el temor a una realidad cada vez mas estresante, el pájaro por su parte actúa como valvula de escape a esa misma realidad. Obras como las realizadas para el Festival de la IPAF en la ciudad mexicana de Acapulco

Aunque aparentemente hay un patron estetico similar cada intervencion del duo MonkeyBird, representa un pasaje a un mundo donde sus motivos nos cuenta una historia enigmatica que hay que descifrar.

En la que los protagonistas son diferentes especies animales autóctonas enmarcadas con elementos arquitectónicos de origen seglar. O la realizada en colaboración de Said Dokins y que con una superficie de 300 m2 se puede visitar en la ciudad donde residen. 

Titulada Le message secret/The secret message. La obra esta planteada como un acertijo, escondiendo un secreto que el observador debera descubrir para poder entenderla.  

Por su parte en la intervención realizada para el Grenoble street art Festival de 2018 el dúo se inspira en algunos de los acontecimientos mas importantes acaecidos durante el Mayo del 68 Francés. Para trasladarlos a su particular universo estético dándoles una renovada lectura.
   
  
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Levalet, ritos mitológicos de la vida moderna en clave de arte urbano



Las intervenciones del artista urbano Levalet están rodeadas por lo general de una atmósfera presidida por la nostalgia, sensación que se refuerza mas si cabe porque este Parisino de adopción.

Aunque nació y creció en la localidad francesa de Guadeloupe, tras invertir tardes enteras en recorrer las calles del centro de Paris. Realiza una selección de aquellos lugares cuyo aire bohemio se adaptan mejor como escenario al concepto de lo que trata de transmitir al publico.

Y es que tras casi seis años residiendo en la ciudad de la luz, se sabe casi de memoria la mayoría de los distritos. Donde suele operar primero haciendo una vista preliminar, y tras trabajar en el estudio sobre la idea original.

Regresar al lugar del "delito" con el motivo central de la intervención ya recortado sobre el papel, sobre el que finalmente pinta con un color neutro, quedando estampado en la pared. Lugares que en ocasiones hay que improvisar porque la primera localizacion no obedece a las condiciones esteticas mas optimas.


LA CIUDAD Y SUS HABITANTES EN BLANCO Y NEGRO

Algo que implica una gran capacidad de observacion, pues no cualquier lugar reune las caracteriticas mas propicias, porque en las obras de Charles (nombre real), el espacio publico y los elementos que lo componen suelen integrarse como elementos narrativos de la intervención.

Siendo por lo tanto el contexto circundante un factor intrinsico a la obra. Se podrían citar muchos ejemplos en los trabajos de Lavalet, en los que la yustaposición de materiales son la tonica principal de la obra, por la que entorno y los elementos expresivos se retroalimentan transformando el significado e incluso la función del lugar en si.

Pero quizás es en la pieza titulada Minotauro donde esta ambiguedad y complementariedad entre el espacio publico y el mensaje explicito de los elementos escogidos de forma deliberada para la ocasión, son mas elocuentes y procaces si cabe.

Por lo que a una fuente presidida por la escultura de una cabeza de un buey, Levelet le añade el torso desnudo de un hombre que sostiene en su regazo un libro otorgándole una interpretación mitológica al conjunto.


LA CALLE COMO MATERIA PRIMA

Papeles tintados en negro sobre blanco donde destaca la expresividad y contundencia de algunas de sus propuestas, donde no deja pie con cabeza aun en aquellas que se caracterizan por su sentido del humor.

O directamente provocando la hilaridad mas incisiva en el espectador, quizás sea por su componente cómico que por momentos recuerda a las técnicas que se emplean para ilustrasr tiras cómicas, como por ejemplo en Abduction, trabajo de 2012. Donde dos tipos encapuchados y mal encarados esperan a que se abran las puertas de un ascensor para que su víctima ajena a lo que sucede en el exterior caiga en sus garras.

O en uno de sus mas recientes encargos realizado con motivo de la ultima edición del festival de arte urbano celebrado en la ciudad de Orleans, y  donde Levalet ha sido el artista protagonista. Pudiendo desplegar todas sus habilidades como uno de los creadores urbanos mas irreverentes del panorama actual, utilizando para ocasión los contenedores donde se depositan las botellas de vidrio para articular una serie de mensajes graficos relacionados con diferentes problematicas sociales.

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El estilo urbano de Levalet se nutre del humor gráfico y de los elementos que hay en el espacio publico, material con el que realiza un retrato la vida cotidiana.





Saner muestra su compromiso y solidaridad con las víctimas de la matanza de los 43 de Ayotzinapa en un mural ancestral

  

El pasado 23 de Septiembre de 2010 saltaron todas las alarmas en la localidad mexicana de Ayotzinapa, cuando 43 activistas marmolistas desaparecieron sin dejar rastro. Acontecimiento que ha supuesto que el resto de la comunidad quedara en conmoción.

Sucediéndose las reacciones desde diferentes ámbitos políticos y sociales, las cuales mostraban su repulsa por hechos tan atroces. Generándose una respuesta social demandando la inmediata localización y consiguiente captura de los autores de tan execrables actos.

Realizado por el artista urbano Saner con motivo de la celebración de la ultima muestra de Urban Nation Project M6 que tiene por escenario Berlin. El mural titulado Ayotzinapa 43, se inspira en la tradición muralista mexicana más tradicional para denunciar la pasividad de las autoridades en relación a los hechos y mostrar su solidaridad y compromiso con los familiares y allegados de las víctimas. 
 

Que exigen que los representantes de su país persigan desplegando todas las herramientas de las que dispone el estado de derecho. A aquellos criminales que estén involucrados en tales actos violentos, cuya naturaleza ha causado tanto dolor gratuito y sin sentido alguno en una comunidad que tras muchas decadas de violencia vivía en estos momentos instalados en una relativa calma. 

Hecho con un sentido alegórico el mural representa la incertidumbre y la turbación que supone la angustia que experimentan sus familiares y la poblacion en general.

La composición y simbolismo de la intervención representada en una ambientación que refleja toda la frustración e impotencia del acontecimiento que afecta a toda una comunidad. Lo que traduce en una selección de tonos dramáticos y de atmósfera barroca.  

El mural en el que se representa dos deidades de la civilización Azteca y Maya caracterizados con motivos totemicos que simbolizan a los ancestros de las civilizaciones meso-americanas. Se muestran abrazados de forma cordial y afectuosa, las deidades, a su vez, son observadas por dos animales pertenecientes a la mitología mexicana, siendo testigos mudos de como arde un libro donde están redactados los nombres de los 43 desaparecidos.

Como en muchos proyectos el artista oriundo de la población mexicana de Edgar Flores el cual creció inspirado por iconos del arte mexicano como Gonzales Camarena o Frida Kahlo, recurre a las tradicionales mascaras nahuatl (no confundir con las catrinas que se exhiben en la noche de muertos) para transformar a los humanos en animales, atrezzo que utiliza con el objetivo recordar que la vida en armonía es inevitable. Las mascaras nahuatl proviene de las comunidades de Los Nahuas, cuyo nombre significa “hablar con claridad” o “conocimiento”, son una comunidad indígena mexicana distribuida desde Durango hasta el sur de Tabasco. Entre los pueblos considerados Nahuas se encuentran los de Tlaxcala, Chalco, Cholula y Acolhuacán.


Hecho con un sentido alegorico el mural representa la incertidumbre y lturbación que supone la angustia que experimentan sus familiares y la poblacion en general. Ante la falta de noticias en relación a los dias que se suceden lo que provoca tensión social.


Xavier Delory - Villa Savoye, la mitología de un edificio que marcó una epoca


La Villa Savoye es uno de los diseños mas emblemáticos del arquitecto de Le Corbusier. Situada en la localidad satélite de Possy en los alrededores de París, estamos ante la obra cumbre de influyente arquitecto.

Reuniendo en su diseño buena parte de los principios estilísticos y el credo del movimiento arquitectónico modernista. Aunque cuando fue construida nadie queria ser su propietario. Debido a que su fachada lisa, sin ornamentos chocaba frontalmente con los gustos refinados.

Que en aquella época se estilaban, hablamos para situarnos en contexto de los llamados locos años veinte del pasado siglo. Una década vertiginosa dominada por el despilfarro exhibido principalmente por sus elites.

Cuyos gustos exquisitos exploraban poseer propiedades que presentaran unas líneas arquitectónicas, digamos más elaboradas. Por lo que las líneas rectas que presentaban los volúmenes cúbicos de Villsa Savoye, por mucho que contará con una parcela generosa, no les resultaba alentadores.

Ni lo suficientemente sugerentes como para abonar las astronómicas cifras que estipulada su contrato de compra-venta. Por lo que al final se acabo vendiendo al inquilino que la acabo bautizando con su apellido. Idilio más bien breve pues solo estuvo habitada hasta finales de la década de los años trteinta, siendo objetivo de los bombardeos alemanes durante la II Guerra Mundial.   

Lo que si se puede afirmar es que tras ser finalizada en 1.929 suposo una ruptura radical con las escuelas tradicionales aplicadas hasta ese momento, siendo su proyección objeto de acalorados debates en los círculos mas ortodoxos. Que veían en su contrucción un desafió a sus gustos e incluso en terminos morales.


Ayudado por aplicaciones de tratamiento de imágenes como photoshop, el creativo visual y fotógrafo Xavier Delory. Ha perpetrado una blasfemia estética que quizás hubiera hecho esbozar mas de una mueca de satisfacción a mas de uno de sus muchos detractores de hace un siglo. 

Convirtiendo tanto su parcela como la estructura del edificio principal en un entorno presidido por el abandono, donde como consecuencia de actos propios de vándalos. Las paredes antes inmaculadas se presentan cubiertas de pintadas y los accesos a la propiedad cubiertos por la maleza. 

Planteamiento a cuya posterior intervención o retoque por parte del fotografo se le puede cuestionar el busto gusto y la consiguiente polémica suscitada. Pero lo que sí es incuestionable es que casi nueve décadas más tarde, está villa sigue siendo una de las obras cumbres del autor. Marcando un antes y un después en la historia de la arquitectura.  


Épica mitológica en el mundo surrealista de la artista Heidi Taillefer



Hay algo del viejo mundo en el trabajo de la artista de Montreal Heidi Taillefer, un aire evocador y romántico, sus pinturas con figuras de la mitología antigua, la religión y la historia. Navegan entre lo clásico y lo figurativo y sus temas arquetípicos. 

Su preocupación por la tecnología y la forma en que está cambiando la perspectiva sobre la existencia humana y la forma en que nos relacionamos. Sus temas son manifestaciones quiméricas que combinan partes corporales de humano y animal.

A lo que añade, bombillas y objetos de anticuario, haciéndolos flotar con tensión anticipatoria en su entorno. En el caso de Heidi Taillefer fusiona la pintura figurativa clásica, y el surrealismo más onirico, a lo que añade elementos de la mitología y las tradiciones populares figurativas que van desde el romanticismo victoriano a la ciencia ficción. 

Su obra está en consonancia con algunos de los surrealistas del Siglo XX, como Max Ernst y DeChirico. Con estos antecedentes traza el perfil de la condición humana a través de diferentes épocas y culturas, construyendo su propia lente e idioma.

Enfoque que refleja la omnipresencia de los avances tecnológicos en el mundo y de como su influencia, cada día esta más presente en más ámbitos creativos. Nacida en la ciudad canadiense de Montreal, Heidi Taillefer comenzó a dibujar a la edad de tres años, criada en una familia rica. 

Tuvo la fortuna de ser educada en un entorno creativo, donde ella se sentía atraída por lo extraño e inusual. Fascinada por espécimenes de animales extraños. A partir de los diez años tomo lecciones privadas de arte, donde desarrolló habilidades en la pintura de acuarela.

Después de obtener un título en estudios humanísticos por la Universidad McGill en la década de los 90, Taillefer comenzo a realizar numerosos viajes a países en desarrollo. Prestando especial atención a los temas más universales de la condición humana, en el contexto de una sociedad cada más volátil y encaminada hacia un contexto globalizado.



VINZ - Feel Free, mitología híbrida y lenguaje corporal en el espacio publico




Feel Free es una serie de intervenciones urbanas en el espacio publico que forman parte de un trabajo conceptual. Su autor Vinz quiere transmitir la sensacion de metamorfosis del individuo.

Como consecuencia de un proceso en el que ahora mismo nos debatimos como miembros de una sociedad condicionada por la incertidumbre en relación a un futuro y un mundo. Donde el concepto de globalizacion, paradojicamente no ha supuesto necesariamente una construcción de una conciencia colectiva.


La inseguridad y la incapacidad para reaccionar ante unas circunstancias de las que se les ha responsabilizado arbitrariamente y que les añade mas confusión.  Realizadas a lo largo de diferentes fechas a lo largo de 2.011, en el extraradio de la ciudad de Valencia en España, tendrán continuidad en 2.012.


Influenciado por el comic y la ciencia ficción, Vinz comenzo realizando sus primeras incursiones con el graffiti en 1.998, aunque enseguida empieza a experimentar con otros soportes como el diseño gráfico. En el caso de las obras de street art el proceso que se puede alargar días, comienza con la selección de uno de los borradores que realiza concienzudamente en el estudio. 

Cuando lo tiene decidido envía la fotografía a la imprenta para ampliarla, de vuelta en el estudio, le añade las cabezas de ave pintándolas con esmalte sintético de diversos colores y pegándola en la localizacion previamente seleccionada.


Formado en bellas artes, desde su posición el arte urbano supone la continuación del arte plástico digamos formal que se exhiben en espacios interiores como las galerías. El utilizar la ciudad como espacio expositivo te ofrece la posibilidad de llegar a un publico diferente y mas variado.

Que el que asiste a una exposición formal, que suele ser un perfil que se se distingue por su conocimiento sobre la materia. En la calle las sensibilidades se multiplican abarcando mas publico.

Licenciado en Bellas Artes en 2003. Facultad de San Carlos, Universidad Politécnica de Valencia. El crea sujetos híbridos con un sistema de símbolos ligados a varias especies: las aves significan libertad y los peces representan el consumismo, mientras que las ranas y las lagartijas transmiten autoridad; el Minotauro representa la resistencia, los conejos, la curiosidad y la sensualidad; y su último personaje, el tigre, la audacia....



Corrado Vanelli, ilustracion digital cuya magia surrealista se alimenta de los clasicos

 

Las ilustraciones digitales del creativo visual  italiano Corrado Vanelli navegan entre lo barroco de iconos como Caravaggio y el surrealismo más psicoanalitico de autoras como Leónorá Carrington. 


Se tratan por lo tanto de pequeñas ventanas abiertas por las que el subconsciente se filtra materializandose en una sustancia expresiva cuya comprensión nos maravilla como espectadores. Que contemplamos sus obras como universos mágicos cuyos parámetros narrativos obedecen antecedentes clásicos y figurativos. 


Obras que se nutren de historias y simbología mitológica en muchos casos. En otros lienzos sin embargo se inspira en la realidad más cercana e inmediata, o en hechos históricos que el representa dándole una atmósfera dramática a veces, mientras que en otras ocasiones recurre a la ironía para ofrecernos un relato estético que se alimenta de la ficcion.       

 

Desde pequeño en su pueblo natal Corrado Vanelli desarrollo una afición por el dibujo gracias a las historias que devoraba en la casa familiar. Herencia que posteriormente en su adolescencia provocó que comenzara a mostrar inquietudes por ámbitos como la ilustración o el arte digital.


Los trabajos de Corrado
 Vanelli se caracterizan por ser universos poblados por criaturas mitológicas, seres mutantes, o muñecas de mirada enigmática que cobran vida, conviviendo con personajes humanos en escenarios donde la es esencial estimular la imaginación del que las contempla.


Además su interés por la filosofía, o su afición por cultivar bonsáis, son según el referentes que influyen en sus trabajos. Aunque todavía utiliza instrumentos tradicionales como el roting, las nuevas herramientas digitales 2D y 3D han supuesto un descubrimiento, que aparte de facilitar el proceso de diseño de sus trabajos ha enriquecido su particular estilo.